Digitale Porträts mit Maxon One Wie Olivier Caron mit minimalen Elementen maximale Wirkung erzielt.

Um in der weiten Welt der digitalen Kunst wahrgenommen zu werden, braucht man nicht nur Talent, sondern auch eine unverwechselbare Vision und unermüdlichen Einsatz. Olivier Caron bringt all das mit und hat sich als Regisseur, Motion Designer und Digital Artist eine Nische geschaffen. Seine Porträts im Stil einer Galerie sind ein Beweis für seine meisterhaften Fähigkeiten im visuellen Geschichtenerzählen und seiner technischen Kompetenz.

Wir sprachen mit Caron über seinen Weg in die digitale Kunst, seine Vorliebe für Porträts und darüber, wie er Maxon One einsetzt, um visuelle Erzählungen zu erstellen, die ebenso faszinierend wie ästhetisch fesselnd sind.

Caron: Ich bin durch Zufall zur digitalen Kunst gekommen. Ich habe After Effects im Alter von 25 Jahren entdeckt, was heute als ziemlich spät gilt. Früher habe ich Film studiert, und meine kreativen Aktivitäten drehten sich hauptsächlich um die Fotografie in der Dunkelkammer am Tag und als VJ in der Nacht. Ich wollte Cutter werden, aber als ich anfing, Grafiken am Computer zu erstellen, hat es in mir Klick gemacht und ich war davon gefesselt. Ein paar Monate später bekam ich meinen ersten Job bei einer Produktionsfirma.

Ich habe mir alles selbst beigebracht, als es nur wenige Online-Ressourcen gab. Deshalb habe ich Jahre gebraucht, um allmählich genug Selbstvertrauen aufzubauen, um mich als Designer zu bezeichnen. Es dauerte sogar noch länger, bis ich persönliche Arbeiten produzieren konnte, auf die ich stolz war.

Ich habe viele Jahre als 2D Motion Designer und Regisseur gearbeitet, aber erst als ich anfing, mich mit 3D zu beschäftigen, wurde mir klar, dass ich die Lücke zwischen meinem Hintergrund als Filmemacher und meiner Arbeit als Designer schließen konnte.

Caron: Ich glaube, dass Charaktere ein unglaublich effektiver Weg sind, um Gefühle zu vermitteln. Als ich anfing, wollte ich nur ein paar Bilder mit Figuren machen, bevor ich mich anderen Themen zuwenden würde. Aber je mehr ich mich in die Arbeit mit Figuren vertiefte, desto mehr wuchs mein Interesse, so dass ich nie damit aufgehört habe.

Trotzdem betrachte ich mich nicht grundsätzlich als Character Artist. Stattdessen sehe ich mich eher als 3D-Fotograf, wenn diese Beschreibung zutrifft. Die Art und Weise, wie ich an meine Arbeit herangehe, ähnelt der Arbeitsweise eines Fotografen in einer Studioumgebung.

Ich bevorzuge es, mit minimaler Beleuchtung zu arbeiten und vermeide es, aufwendige Szenen oder komplexe Landschaften zu konstruieren. Ich habe festgestellt, dass es die Aufmerksamkeit des Betrachters mehr auf die Charaktere lenkt, wenn man die Elemente in einem Bild vereinfacht. Mein oberstes Ziel ist es, Charaktere immer so authentisch und wahrheitsgetreu wie möglich darzustellen.

Caron: Es gibt zahlreiche Künstler, die ich als Inspirationsquellen nennen könnte, darunter Carlo Crivelli, Jan van Eyck, Oleg Dou, Erwin Olaf, Aron Wiesenfeld, Levi van Veluw, Piotr Jabłoński, Yuri Shwedoff und viele mehr.

Um ehrlich zu sein, habe ich die meisten von ihnen erst vor kurzem entdeckt. Die meiste Zeit meines Lebens dienten mir Bücher als wichtigste Inspirationsquelle. Schriftsteller wie Lovecraft, Ballard, Proust und zahllose andere haben meine persönliche Gedankenwelt tiefgreifend beeinflusst, lange bevor ich überhaupt daran dachte, mich mit bildender Kunst zu beschäftigen.

Caron: Ich verwende verschiedene Software-Tools für unterschiedliche Aspekte meiner Arbeit. Ich verwende Daz Studio, um die Grundlegende Pose der Figuren zu erstellen, Marvelous Designer, um ihre Kleidung zu entwerfen, und Substance 3D, um sie zu texturieren und komplizierte Details hinzuzufügen.

Meine wichtigsten Werkzeuge sind Cinema 4D zum Modellieren und Erstellen der Szenen und Redshift zum Rendern. Für das Compositing arbeite ich normalerweise mit einer Kombination aus Photoshop und After Effects.

Ein spezielles Tool, das ich kürzlich entdeckt habe, ist der Redshift Principled Hair Shader. Haare kommen in meiner Arbeit häufig vor und sind etwas, das ich ständig zu verbessern versuche. Deshalb ist es schön zu sehen, dass Redshift sich für mehr Realismus einsetzt.

Caron: Es beginnt immer mit einer Idee für die Pose der Figur in meinem Kopf. Das kann ein ausdrucksstarker Gesichtsausdruck sein, die Bewegung einer Hand oder die Art, wie ein Knie gebeugt wird. Ich experimentiere mit diesem Konzept in Daz, bis ich die gewünschte Pose erreicht habe. Wenn ich zufrieden bin, exportiere ich die Figur nach C4D und beginne sofort mit der Arbeit an der Beleuchtung.

Wenn mich die Pose nicht überzeugt oder sich die Beleuchtung nicht stimmig anfühlt, weiß ich, dass das endgültige Bild nicht gut werden wird, egal wie viel Arbeit ich noch investieren werde. Diese Phase ist entscheidend, und ich verwerfe in diesem Stadium oft Konzepte.

Wenn das Bild diesen ersten Schritt erfolgreich bestanden hat, arbeite ich weiter an der Figur, einschließlich Haaren, Kleidung, komplizierte Details und Accessoires. Diese Phase dauert in der Regel am längsten, da sie ein ständiges Hin und Her zwischen verschiedenen Programmen beinhaltet, bis ich zufrieden bin.

Gleichzeitig arbeite ich an den restlichen Elementen der Szene, wie z. B. der Modellierung und Texturierung der Objekte, der Anpassung der Kameras und der Feinabstimmung der Beleuchtung. Ich bemühe mich, meinem ersten Eindruck treu zu bleiben und die Szene nicht mit unnötigen Details zu überfrachten. Sobald alles an seinem Platz ist und gerendert wurde, fahre ich mit dem Compositing fort, um das endgültige Bild zu erstellen.

Im Laufe der Jahre habe ich verschiedene Tools in meinen Arbeitsablauf integriert, aber das wichtigste bleibt Cinema 4D. Ich benutze es täglich, und obwohl es sich hervorragend für Motion Design eignet, ist es nicht speziell für die Arbeit mit Figuren konzipiert. Paradoxerweise ist genau das der Grund, warum ich es weiterhin für diesen Zweck verwende. Es zwingt mich dazu, anders zu denken und alternative Ansätze zu finden, um die gewünschten Ergebnisse zu erzielen, was zu interessanten und unerwarteten Resultaten führt.

Caron: Ich glaube, dass die wichtigen Entscheidungen nicht darin liegen, was man hinzufügt, sondern was man weglässt. Ich bewundere die Art und Weise, wie Bühnenbildner in Theatern und Opern es schaffen, mit minimalen Elementen so viel zu vermitteln.

Aufgrund begrenzter Produktionsbudgets kann sich ein einfacher Stuhl in einen Thron verwandeln, oder eine einzelne Blume kann einen ganzen Garten darstellen. Es geht nicht darum, Dinge direkt abzubilden, sondern sie zu symbolisieren und mit ein paar sorgfältig ausgewählten Details und Lichtverhältnissen eine Welt zu erschaffen.

Bevor ich ein Projekt beginne, experimentiere ich ausgiebig. In der Regel arbeite ich mit grundlegenden Formen und Farben, bis ich sicher genug bin, um eine Welt um sie herum zu bauen. Ich mag es, die rohe Essenz von 3D beizubehalten und Objekte mit einem gewissen Wiedererkennungswert darzustellen, ohne dabei in übertriebenen Realismus abzugleiten. Es ist mir wichtig, dass die digitale Natur des Kunstwerks sichtbar ist, um zu betonen, dass es weder eine Fotografie noch eine Illustration ist, sondern etwas ganz Eigenes und Einzigartiges.

Caron: Die Arbeit in der 3D-Welt kann überwältigend sein, weil es bei jedem Schritt eine Vielzahl von Werkzeugen und Fähigkeiten gibt. Es ist einfach unmöglich, im Laufe eines Lebens alles zu meistern, vor allem, wenn man bedenkt, dass sich die Software ständig weiterentwickelt und dein Workflow dadurch möglicherweise veraltet ist.

Um dem entgegenzuwirken, bemühe ich mich, jedes Jahr ein neues Tool zu erlernen und zu prüfen, ob es etwas Einzigartiges zu meiner Arbeit beitragen kann. Manchmal erweist sich dieses Unterfangen als fruchtbar, aber es ist auch in Ordnung, wenn es nicht das gewünschte Ergebnis bringt. Die Zeit, in der man etwas lernt, ist nie verschwendet, und Misserfolge können oft als Katalysator für etwas Faszinierendes dienen. Mein gesamtes "Haircuts"-Projekt entstand aus zahlreichen erfolglosen Versuchen, die Haare in Cinema 4D zu beherrschen!