Die Kraft der unendlichen Bewegung mit Maxon One Patric Ortmann spricht über die Energie seines Projektes 'O∞ULT PLACES'.
Die hypnotischen und meditativen digitalen Kunstwerke von Patric Ortmann kombinieren visuell fesselnde Looping-Animationen mit Klangwelten. Seine Kunst wird als audiovisuelle Reise beschrieben und wird sowohl virtuell als auch physisch ausgestellt, wobei eine VR-Ebene das Erlebnis bereichert.
Während Ortmanns kommerzielles Deck groß angelegte audiovisuelle Medieninstallationen, Konzertvisualisierungen, Projection Mapping und UI für Marken und Artists umfasst, produziert er auch persönliche Arbeiten unter dem Namen MotionSickness.
Wir haben mit ihm über sein NFT-Projekt "O∞ULT PLACES" gesprochen, das mit Cinema 4D, Redshift und After Effects eine Kombination aus Form, Bewegung und Musik geschaffen hat, die für seine einzigartige Ästhetik steht.
Hier ist, was er über seinen kreativen Prozess und seine Herangehensweise an die Ausstellung digitaler Kunst für Sammler und neue Zielgruppen zu sagen hatte.
Bitte stelle dich vor und erzähle uns von deinem Weg zur digitalen Kunst.
Ortmann: Ich bin freiberuflicher Motion Designer und Art Director in Frankfurt am Main, Deutschland. Ich habe 15 Jahre Erfahrung in Studios wie Pixomondo, ACHT Frankfurt und Bright! Studios, an Projekten für Marken wie Audi, Mercedes, VW und Nike gearbeitet.
Ich bin mehr als glücklich zu sagen, dass meine Leidenschaft mich gefunden hat. Nachdem ich eine Ausbildung zum Koch absolviert hatte, gefiel mir der Stress nicht und ich suchte nach einem anderen Weg. Ich war begeistert, als ich während meines Studiums in die Medienproduktion und 3D-Animation eingeführt wurde.
Als ich anfing, war ich eher ein Generalist, also konnte ich viele verschiedene Dinge tun, was mir gefiel. Ich begann als 2D-Animationsdesigner bei Pixomondo und lernte schließlich 3D, und das war's. Meine Leidenschaft gilt nun Loop-Animationen, Partikeln, Projection Mapping und Grafikdesign, die ich in meinen Kunstwerken kombiniere, sodass die Arbeit in meine Kunst einfließt.
Welche Art von Arbeit machst du typischerweise für deine kommerziellen Kunden?
Ortmann: Ich genieße nach wie vor eine Vielzahl von Projekten und fühle mich von der visuellen Wirkung großer Formate angezogen. Ich arbeite mit allem von audiovisuellen Medieninstallationen, Konzertvisualisierungen und Projection Mapping für Marken bis hin zur Gestaltung von Benutzeroberflächen für Autos. Meine Kunden kommen aus den unterschiedlichsten Bereichen, so dass es nie langweilig wird.
Was treibt dich bei deiner experimentellen Arbeit an, und wo findest du Inspiration?
Ortmann: Es ist schwierig, innerhalb der Grenzen der kommerziellen Arbeit zu experimentieren, deshalb habe ich einen Raum für Experimente. MotionSickness ist mein Spielplatz, auf dem ich mich als Artist kreativ ausdrücken kann.
Es ist nicht einfach zu erklären, was mich inspiriert. Es ist eine innewohnende Leidenschaft, wie eine Idee, die mich immer wieder kitzelt, und ich muss versuchen, sie zu verwirklichen. Meine Leidenschaft für 3D-Looping-Animationen kommt zum Beispiel daher, dass ich verstehe, was den Kern eines guten Loops ausmacht. Der Reiz liegt darin, dass er keinen Anfang und kein Ende hat; er ist wie ein Meditationspunkt. Die Knoten in meiner "O∞ULT PLACES"-Serie fließen immer so.
Die Mobius-Schleife war eine der Inspirationen für dieses Projekt - sie ist eine so einfache Form, hat aber eine Komplexität und Energie, die von irgendwoher kommt. Ich fing an, darüber nachzudenken und Geschichten über die energetischen Kräfte in diesen mystischen Knoten und die Räume zu erfinden, in denen sie Kraft an das Universum abgeben.
Wann hast du mit der Gestaltung der Knoten in den "O∞ULT PLACES" begonnen?
Ortmann: Der Original-Knoten HYP-NO_WO-RM wurde im März 2021 geboren und geprägt. Makersplace gab mir im November 2021 die Möglichkeit, einen offiziellen, unterstützten NFT-Drop zu haben, und die neuen Arbeiten sind eine natürliche Weiterentwicklung meiner Erkundung, indem ich die Knoten in okkulten Räumen platziere.
Bitte erzähle uns, wie du diese Knoten geschaffen hast.
Ortmann: Zunächst habe ich die Mobiusknoten direkt in Cinema 4D erstellt, wobei ich die Grundstruktur immer einfach gehalten habe. Ich kombinierte verschiedene Grundform-Archetypen, um Textur und Komplexität hinzuzufügen. Manchmal habe ich eine Vorstellung davon, wie ein Knoten aussehen soll, und manchmal entwickelt er sich aus Experimenten mit Boxen oder Kugeln, bei denen ich einfache Shader mit einem Farbverlauf anwende.
Cinema 4Ds Mograph hat mir geholfen, meine Vision zu verwirklichen. Mit ein paar einfachen mathematischen Berechnungen und einem Kloner mit verschiedenen Effekten war es ein sehr intuitiver Prozess. Ich klonte Objekte auf die Oberfläche oder die Kanten der Kernform und probierte verschiedene Dinge aus, bis ich eine 3D-Basisebene hatte, die mir gefiel. Dann fügte ich weitere Klone hinzu, wie z. B. verstreutes Glas und Kugeln, um den gewünschten Effekt zu erzielen.
Das Glas war eine Herausforderung, aber mit der Hilfe von Wes Cockx konnte ich mein Verständnis der Redshift-Glasshader verbessern. Manchmal fügte ich auch subtile Kameraarbeit hinzu, indem ich Greyscalegorilla Plus-Plugins verwendete und je nach Kunstwerk ein Vibrations-Tag oder einen Kameraschwenk hinzufügte.
Wenn sie animiert ist, sieht die Drehschleife komplex aus. Die Bewegung über die gesamte Bilddauer hinweg richtig hinzubekommen, hängt von mehreren Faktoren ab und erfordert eine Menge Anpassungen und Vorschaurender. Ich habe an jedem Stück gearbeitet, bis es sich richtig anfühlte, und dabei manchmal Ebenen hinzugefügt oder gelöscht.
Um die richtigen Farben zu finden, habe ich so lange experimentiert, bis ich ein ausgewogenes Aussehen und Gefühl hatte. Ich verwendete Adobe Color mit den von Dieter Rams inspirierten Farbverläufen von Greyscalegorilla, um die Hauptfarben anzuwenden. Je nach Komposition fügte ich schwarze, goldene und gläserne Materialien hinzu - ich liebe ihre Wirkung, denn sie lassen das Bild richtig knallen. Schließlich fügte ich eine Hintergrundumgebung hinzu, indem ich über den Raum nachdachte, in dem sich ein bestimmter mystischer Knoten befinden könnte, und renderte mit Redshift.
Gab es etwas, was du anders machen musstest oder was du neu gelernt hast?
Ortmann: Cinema 4D ist so groß, dass ich jedes Mal, wenn ich es öffne, etwas Neues lerne, und dieses Projekt hat mir geholfen, die Bedeutung der Hierarchie im Objekt-Manager besser zu verstehen. Da ich mit so vielen Ebenen arbeite, habe ich gelernt, meine Szenen besser zu organisieren und zu integrieren. Außerdem wurde ich viel besser in Sachen Beleuchtung und Texturierung. All dieses Experimentieren, Lernen und Verbessern fließt in meine Entwicklung als Artist und in meine kommerzielle Arbeit ein.
Was ist der lohnendste Aspekt bei der Erstellung deiner NFT-Kunst?
Ortmann: Ich bekomme so viel zurück, was ich nie erwartet hätte. Wenn mir Menschen aus aller Welt sagen, wie sehr sie meine Arbeit schätzen, ist das eine wahre Freude. Das wertet die digitale Kunst auf eine Weise auf, die ich mir nie hätte vorstellen können.
Ich habe mich sehr gefreut, dass ich einer der ersten Artists war, die bei der NFT-Ausstellung von Flux Creative in der NEONREAL - The Gallery in Düsseldorf ausgestellt haben. Die Ausstellung bot ein Headset, mit dem die Besucher mehr Kunst in einer virtuellen Galerie entdecken konnten, darunter auch meine eigene.
Sie war Teil der Düsseldorfer Nacht der Museen 2023 und zog Sammler und Menschen an, die die NFT-Kunst noch nicht kannten. Ich glaube, dass physische NFT-Ausstellungen den Menschen helfen, digitale Kunst genauso zu verstehen und zu schätzen, wie sie es mit traditioneller Kunst tun.
Wie kann AR die ausgestellten Werke aufwerten und glaubst du, dass das eine Zukunft hat?
Ortmann: Da das Konzept des Kaufs von digitaler Kunst immer noch recht abstrakt und schwer zu erklären ist, wollte ich eine zusätzliche Ebene des Engagements hinzufügen und die Grenzen der Bildschirme aufbrechen. Auf die Idee, AR zu nutzen, bin ich durch Kristian Levin alias noCreative gekommen, und er hat mir geholfen, es für meine Arbeit einzurichten.
Mit der Artvive App kann mein signierter und registrierter 2D-Kunstdruck das vollständige audiovisuelle NFT-Erlebnis starten. Auf der Rückseite jedes Drucks habe ich einen NFC-Chip angebracht, der die Webseite des Kunstwerks auf einem mobilen Gerät in der Nähe des Kunstwerks öffnet. Da es in der Natur der Blockchain-Technologie liegt, Informationen dort einzubetten, wo jeder sie sehen kann, half dies hoffentlich denjenigen, die NFT noch nicht kennen, zu verstehen, wie die Technologie funktioniert.
Wenn ich über die Zukunft der digitalen Kunst nachdenke, werden Technologien wie Apple Vision Pro die Art und Weise verändern, wie wir mit digitalen Räumen interagieren, und ich bin daran interessiert, eine Kombination aus AR und VR zu nutzen und echte 3D-Objekte in meine Kunsterlebnisse einzubinden.
Was war das Überraschendste beim Schaffen deiner Kunst?
Ortmann: Kunst ist wie ein Lebewesen und entsteht nur, wenn man ihr Zeit, Raum und Atem gibt, um zu wachsen und sich zu entwickeln. Manchmal will ein Kunstwerk nicht lebendig werden, und dann muss man es loslassen oder aufbewahren, bis es fertig ist.