写真と3Dアートの組み合わせ 写真家でCGアーティストのUli Staiger氏が自身の作品について語り、デジタルアーティストとしてのスキルアップに役立つ写真撮影の方法のアドバイス。

Uli Staiger氏は、写真家、CGアーティスト、書籍の著者であり、デジタル画像合成や3Dデザインのトレーナーです。2014年には欧州写真家連盟の「フォトグラファー・オブ・ザ・イヤー賞」を受賞。3Dグラフィックスと写真を融合させる方法や、CGアーティストが写真を撮ることで何を学べるのかについてお話を伺いました。

私はプロの写真家の出身で、つまり伝統的な写真家として訓練を受け、当時はまだアナログ写真をやっていました。結局、80年代にはデジタル写真は存在せず、この新しい技術は90年代初頭にゆっくりと登場しました。

あるときからPhotoshopを使い始め、自分のファンタジーをスクリーンに映し出すためにPhotoshopが提供する信じられないほどの可能性を発見したのです。しかし、写真とPhotoshopとペイント技術だけでは壁にぶつかりました。そこで、Cinema 4Dを使って3Dコンテンツをモデリング、レンダリングして作品に加えるようにしたのです。今では、CGI、写真、Photoshopのペインティング技術を駆使して、イメージの世界を創造しています。

元々は獣医師になりたかったのですが、そのためにはそれなりの高校卒業資格/大学入学資格が必要だと考え、大学入学までに必要な時間をどうやって埋めるかを検討した結果、写真家の見習いを始めました。私は自分に問いかけ「やってみよう、写真家はかっこいいし、女の子にも好かれるだろう」と思ったんです。そうしたら、写真は自分にとってかなり大きな存在だとわかり、こだわりを持つようになりました。自分を成長させるために、18ヶ月間アメリカに滞在し、そこでカメラマンのアシスタントをしたり、世界中を旅したりして、多くの人生経験と仕事の経験を積んだのです。1998年に写真の修士課程を修了した後、ベルリンで自分のビジネスを始めました。

想像力は豊かなほうだったので、乗り物や飛行機、ロケット、宇宙船などを描いて、それを冒涜的な環境の中に配置して、その緊張感の中から刺激的な絵を描きたいと思っていました。ただ現実の世界では、これらのモチーフは簡単に撮影できません。しかし、それらを3Dでモデル化すれば、庭にあるエッフェル塔の形をした高さ30メートルの生け垣などとんでもないものを見せることだってできます。

私は、（ビジュアル）デジタルアートに関わるすべての人に、カメラとの関係を探り、写真を撮り、カメラを使ってどのように視覚的な世界を作ることができるかを探ってみることを勧めます。様々なテクニック（写真、画像処理、場合によってはCGIや絵画のテクニック）を駆使してこそ、アーティスト自身のスタイルが生まれてくると考えています。

写真は、遠近感や光の加減など、シャッターを切った後では変えられないものがあります。さらに、写真を撮るための適切な場所と時間を選ぶため、「完成させたい写真に向かって体系的に作業する」必要があります。このように、写真の仕上がりに向けて「計画的に」作業することは、CGアーティストにとっても確かに有益なことなのです。

たくさんあります！例えば、ニュージャージーの素晴らしいフォトグラファーと1年近く仕事をした時、彼からライティングについて多くのことを学びました。CGアーティストとして、いろいろなライトの機能を知っていたり、Greyscalegorillaのスタジオ照明キットを買ったり技術的な知識を持っているのはいいことですが、クリエイティブな使い方ができることが大切です。光を使ったクリエイティブな作業は、写真の世界で学ぶのが一番だと思います。

私のインスピレーションの源は大きく分けて2つあると思います。まず、小さい頃からSFや映画にとても興味を持っていてインスピレーションを受けていました。子供の頃に描いた絵を見ると、今の仕事と共通点が多く本当に面白いです。第二に、私は現実に触発されていますが、それは十分に壮大なものです。しばしば、現実から何かを想像することは、短い時間の間、そこにはないことを想像するのに役立ちます。例えば、天気の良い日に青空を見て、白い雲が見えたとしたら、今まで見たことのない雲を想像するだけでいいのです。そうやって現実を見て、その面白さに気づくのです。私の写真のアイデアは、こうした見方と、大型の乗り物への興味との相互作用から生まれることが多いです。

まず第一に、遠近法と光が一致していなければ、二つのイメージは融合しません。すぐに小合成とわかってしまいます。さらに、ディテールのレベルが一致していなければなりません。写真は非常に細かいディテールがあります。そのすべてをモデリングすると、CGアーティストは1週間はそれにかかりきにならなければならないでしょう。ディテールの多い写真の中に、比較的ディテールの少ない3Dオブジェクトを入れてしまうと、CG的で場違いな感じになってしまいます。そのため、3Dモデルも同レベルのディテールを持つひつようがあり、「レンダリングしたもの」に見えてはいけません。少し "使い古された "感じにするのが、私の作業の中で一番時間がかかる作業かもしれません。

私は常にフォトリアリスティックな外観を目指しているので、例えば頂点マップとBodyPaint 3Dを使用して、3Dモデルに使い古された外観をCinema 4Dで直接作成しています。結果は、後からPhotoshopでモデルに使用感をつけるよりも、はるかにリアルなものになります。Photoshopでできるのは、スペキュラハイライトのような単一のディテールのペイントだけです。ルックの95%はCinema 4Dで行わなければなりません。

コロナのずっと前に、私はサメにキッチンテーブルをぶつけてもらうというアイデアを持っていました。しかし、テーブルが水面であるかのようにサメに波を引かせるのはあまりにも愚かなことだと思いました。そこで、ボロノイ分割というオブジェクトを使ってテーブルを粉々にすることにしました。後日、サメにもテーブルクロスを押してもらうことにしました。写真では非現実的なものが描かれていますが、サメがテーブルクロスを動かすことで、最初はサメがいるのではないかと思わせるほどのリアルさがあります。

本当はアンダーシャツを着た髭を剃っていない男をモデルにしたかったのですが、コロナのせいでモデルをお願いできなくなってしまったので、自分でモデルをしました。そこで、コロナビールを連想させる「cerveza」のボトルを写真の中に配置しました。

私が皆さんにお勧めしたいことは2つあります。1つは、狂ったようにモデリングをすることです。朝から始めて次の日の朝まで寝ずにモデリングすること – 人生の一部にするのです。チュートリアルだけでは学ぶことはできません。2つ目：真似してみることをお勧めします。私自身もしています。私が写真を撮り始めたとき、私は自分のスキルを向上させるために、写真の偉大な巨匠をどんどん真似てスキルアップしました。お手本を見習って、いつかはお手本を追い越す。いろいろな仕事をこなすことで、自分のスタイルを確立されます。また、自分の作品をコンテストに応募したり、コミュニティで共有したり、そのようにフィードバックを得ることをお勧めします。