Justin Bieber: Die ultimative Bühnenshow Meleah Maynard im Interview mit dem in Los Angeles beheimateten Design- und Animationsstudio Possible über die Entstehung des atemberaubenden Stage-Designs für Justin Biebers Purpose Tour.

Justin Biebers Purpose Tour lief über 18 Monate mit mehr als 150 Auftritten sechs Kontinenten. Für sein viertes Studioalbum tourte Justin zum dritten Mal um die Welt und Possible entwarfen die fesselnde ausstattung und Bilder für das Spektakel.

Das 2010 gegründete Design- und Animationsstudio hat sich auf die Produktion von Inhalten für Welt-Tourneen, Live-Events und großformatige Installationen wie beispielsweise Coachella und die Eröffnungszeremonie für die League of Legends Weltmeisterschaft spezialisiert.

Für die Purpose Tour holte sich das Possible Team unter der Leitung von Kreativdirektor Michael Figge Unterstützung von Kreativdirektor Nick DeMoura und Show Producer Chris Gratton, um den Look und die Cinematics zu entwickeln. Mit einer Pipeline aus Cinema 4D, After Effects, X-Particles, TurbulenceFD und Octane kreierte Figges Team insgesamt 22 Szenen in voller Song-Länge und zusätzlich drei Intros und Zwischenbilder.

Meleah sprach mit Figge, einem der Gründer von Possible, und den Produzenten Roy und Ryan Chong über die Rolle des Studios bei der Tour.

Michael: Weil Possible dafür bekannt ist High-End-Visuals für die bekanntesten Künstler der Welt zu machen, hat Justins Team uns gefragt, ob wir die Visuals für die Tour übernehmen.

Michael: Nick DeMoura, der Kreativdirektor der Tournee, gab uns einen Satz Skizzen, die die Rahmenhandlung der Show mit den verschiedenen Schlüsselmomenten und Themen illustrierten. Wir arbeiteten dann alle daran, die Skizzen zu interpretieren und ästhetisch verwandte Bilder zu finden. Das Bespielen von Bühnenelementen unterscheidet sich ganz grundsätzlich von traditionellen Sendeformaten für Fernsehen, Tablets oder Mobiltelefonen, weil die Skalierung jedes künstlerischen Bildelements auf die Artists abgestimmt sein muss, die auf der Bühne performen. Wir haben in der Konzeptphase Cinema 4D verwendet, um unsere Konzepte schnell zu skizzieren und haben Ansichten von der Bühne gerendert, um zu zeigen, wie bestimmte zentrale Momente “On Stage” funktionieren.

Roy: Zu Beginn der Design-Recherche für unsere Shows schauten wir uns erstmal an, welche Ästhetik der Künstler sonst verwendet um herauszufinden wie weit wir uns daran orientieren müssen. Wir legen Wert darauf, dass unsere Showkonzepte das Image, bzw. die Marke des Künstlers stützen. Wenn jemand bereit ist, Risiken einzugehen, kann es aber auch zu einem kreativ sehr erfüllenden Neuanfang kommen. Bei dieser Show haben wir uns von Justins Album-Artwork und seinen Musikvideos inspirieren lassen, gepaart mit einem regen Austausch von Designreferenzen zwischen Nick, unserem Team und allen maßgeblich an der Tour Beteiligten.

Michael: Mit all der abgefahrenen Technik die wir auf der Bühne hatten, fanden wir es interessant, mit Symbolen zu beginnen, die die Zeit überdauert haben. Sachen wie klassische Skulpturen und Hieroglyphen. Wir haben alles in Cinema 4D modelliert, texturiert und beleuchtet und anschließend in Octane gerendert.

Ryan: Sobald wir Referenzen über erste Teile der Choreografie hatten, fingen wir an, Elemente für diese Bewegungen zu entwerfen. Zum Beispiel dort, wo die Tänzer in unterschiedlicher Höhe vor der Haupt-Monitorwand schweben. Wir wollten ihnen eine ätherische Anmutung geben, die dadurch verstärkt wird, dass ihre Bewegungen mit extrem dichten X-Particles Partikelströmen kombiniert wird, die wiederum von Rauchschwaden aus TurbulenceFD durchbrochen werden. Das gab den Partikeln eine Bewegung, die dynamisch mit den Kanten der LED-Wand interagiert hat.

Michael: Wir haben sehr eng mit den Choreografen und Beleuchtern zusammengearbeitet um die Sequenzen zu koordinieren. Mit einer LED-Wand dieser Größe kann man leicht alles absaufen lassen was ansonsten auf der Bühne passiert. Sich abzusprechen, wo und wann dunkle Bereiche gebraucht wurden, hat uns sehr dabei geholfen, im Einklang mit allem anderen zu arbeiten, was auf der Bühne passierte.

Roy: Die Skalierung spielt bei uns immer eine wichtige Rolle. Wenn man etwas falsch macht, landet man ziemlich schnell in einem „Spinal Tap“-Effekt [In der Pseudo-Dokumentation führen Fehlberechnungen bei der Bühnen-Deko dazu, dass sich die Band mit einem Mini Stonehenge lächerlich macht]. Wir achten deshalb immer darauf, dass unsere szenischen Inhalte in der richtigen Größe angelegt sind.

Ryan: LED-Inhalte nahtlos mit Bühnenelementen zu kombinieren ist eine Technik die wir schon vorher bei einigen Award Shows eingesetzt haben. Bei knappen Budgets und Produktionszeiten müssen Bühnenelemente oft mit digitalen Inhalten kombiniert werden, um überzeugend zu wirken. In diesem speziellen Fall war die Halfpipe auf der Bühne so eine coole und spaßige Idee, dass wir sofort eine Umgebung entwerfen wollten, die Sinn ergab und gleichzeitig dabei half, ihr mehr Dimension zu verleihen, indem wir sie in einen Kontext stellten. Um sicherzustellen, dass der Maßstab korrekt ist, haben wir die Pläne des Herstellers in Cinema 4D importiert.

Michael: Wir haben etwa ein halbes Dutzend Shows, welche in den nächsten Monaten starten, also bleibt dran!

Credits:
Regisseur - Michael Figge
Produzenten - Roy Chung, Ryan Chung, Kerry Brown, Katie Plummer
Produktionsleiter - Alexandra Dolce
Artdirektor - Ronald Monahan
Senior Artist - Chris Anderson
Artist, Cutter - Ismael Zendejas
Design & Animation - Mike Winkelmann, Trevor Kerr, Scott Peters
Schnitt - Ryan Costa
Komposition- Danny Choi
Sound Design - Robert Brinkerhoff