La scène de spectacle de dernière génération Le studio de design et d'animation basé à Los Angeles Possible explique le design scénique de la mis en oeuvre lors de la tournée de Justin Bieber.

La tournée Purpose de Justin Bieber a duré plus d'un an avec plus de 150 spectacles sur six continents pendant 18 mois. A l'occasion de son troisième tour du monde pour son quatrième album studio, son spectacle a présenté des environnements et des visuels captivants créés par Possible, un studio basé à Los Angeles.

Créé en 2010, Possible est un studio de design et d'animation spécialisé dans la création de contenus pour des tournées mondiales, des événements en direct et des installations à grande échelle, y compris Coachella et la cérémonie d'ouverture du Championnat du monde League of Legends.

Pour la tournée The Purpose, Possible, dirigée par le réalisateur Michael Figge, qui s'est associé au directeur créatif Nick DeMoura et au producteur de spectacles Chris Gratton pour créer des looks et des cinématiques. En utilisant une combinaison de Cinema 4D, d'After Effects, de X-Particles, de TurbulenceFD et d'Octane, l'équipe de Figge a conçu, tourné, animé et édité 22 scènes complètes, ainsi que trois intros et interstitiels.

J'ai demandé à Figge, cofondateur de Possible et aux producteurs Roy Chung et Ryan Chung de parler du rôle de Possible dans la tournée. Voici ce qu'ils avaient à nous dire:

Michael : Nous avons été approchés par l'équipe de Justin pour gérer les éléments visuels de la tournée. Possible est connu pour produire des visuels de scène haut de gamme pour les plus grands artistes et spectacles et ce, dans le monde entier.

Michael : Le directeur artistique de l'émission, Nick DeMoura, nous a donné une plateforme de réflexion qui illustrait les thèmes et les moments clés de l'ensemble des sujets de la série, et nous avons alors tous travaillé à la recherche de l'esthétique associée. Travailler avec des surfaces scéniques diffère des formats de diffusion traditionnels (TV, tablettes, téléphones), car l'échelle de chaque œuvre d'art doit être relation avec les artistes. Nous avons utilisé Cinema 4D pour aider à esquisser les concepts rapidement au cours du processus de conception et fournir des rendus de scène pour illustrer comment certains moments pouvaient se jouer sur scène.

Roy : Lorsque nous commençons à rechercher des styles de design pour nos spectacles, nous commençons avec l'esthétique existante de l'artiste et nous essayons alors de sentir à quel point nous devons adhérer ou pas. Nous souhaitons systématiquement que le spectacle soit cohérent avec l'identité de l'artiste. Néanmoins, quand ils sont prêts à prendre des risques, cela peut conduire à des élans créatifs vraiment épanouissants. Pour ce spectacle, nous nous sommes inspirés de l'environnement artistique issu de l'album de Justin, des vidéos musicales et d'un échange soutenu de références de design entre Nick, notre équipe et tous les principaux acteurs du projet.

Michael : Avec toute la technologie de pointe que nous avions sur scène, nous avons pensé que ce serait un point d'entrée intéressant pour nous de commencer avec des symboles qui ont résisté à l'épreuve du temps, comme la sculpture classique et les hiéroglyphes. Nous avons modélisé, texturé et éclairé tous les décors scéniques avec Cinema 4D et Octane Render.

Ryan : Dès que nous avons reçu les références de certains segments de la chorégraphie, nous avons construit des environnements pour ces mouvements. Par exemple, lorsque les danseurs flottaient à différentes hauteurs devant le mur d'images, nous voulions qu'ils aient une qualité éthérée. Cette dernière a été améliorée en combinant leurs mouvements avec des émissions de particules X-Particles de haute densité qui étaient ensuite déformées par les panaches générés par TurbulenceFD. Cela a donné aux particules un mouvement qui interagissait dynamiquement avec les bords de la paroi LED.

Michael : Nous avons travaillé en étroite collaboration avec les équipes de chorégraphie et d'éclairage pour coordonner les différents moments scéniques. Avec un mur LED de cette taille, il est facile de littéralement noyer les autres choses qui se passent sur scène. Parler de quand et où nous avions besoin d'espace négatif nous a aidés à avoir l'assurance que nous travaillions effectivement de concert avec tout ce qui se passait.

Roy : L'échelle est toujours importante pour nous. Si vous vous trompez, le contenu finirait par avoir un effet Spinal Tap [où les erreurs de calcul signifient the band in the mockumentary winds up with miniature Stonehenge que le groupe dans le documentaire se termine avec Stonehenge miniature]. Nous prenons toujours soin de nous assurer que le contenu scénique est construit à l'échelle.

Ryan : La fusion transparente du paysage et du contenu LED est un outil que nous avons déjà utilisé dans le cadre de certains concours sur lesquels nous avons travaillé auparavant. Avec des budgets et des délais limités, les éléments scéniques doivent parfois être soutenus par du contenu afin de se sentir vraiment véhiculés. Dans ce cas particulier, avoir un half-pipe sur scène était une idée tellement cool et amusante, et nous savions que nous voulions créer un environnement qui ait du sens tout en aidant le demi-pipe à se sentir plus dimensionnel en lui donnant un contexte. Pour nous assurer que la balance était correcte, nous avons d'abord importé le modèle de half-pipe du fabricant dans Cinema 4D.

Michael: Nous avons environ une demi-douzaine de spectacles lancés le mois prochain, alors restez à l'écoute.

Crédits:
Directeur - Michael Figge
Producteurs - Roy Chung, Ryan Chung, Kerry Brown et Katie Plummer
Producteur associé - Alexandra Dolce
Directeur artistique - Ronald Monahan
Sr. Artiste - Chris Anderson,
Artiste, éditeur - Ismael Zendejas
Conception et animation - Mike Winkelmann, Trevor Kerr, Scott Peters
Éditeur - Ryan Costa
Compositeur - Danny Choi
Conception sonore - Robert Brinkerhoff