Die Tücken einer Zugfahrt animiert mit Maxon One Drei ehemalige Kommilitonen begeistern auf Festivals mit ihrem Kurzfilm "Daily Tales Part 1: The Magnificent Beauty of a Train Ride" das Publikum.
Daily Tales Part 1: The Magnificent Beauty of a Train Ride ist eine von Stop-Motion-Animationen inspirierte Hommage an die Einfachheit von Lo-Fi. Der herzerwärmende Animationsfilm handelt von alltäglichen Frustrationen und den schönen Momenten, die man im öffentlichen Personennahverkehr erlebt.
Der mit Cinema 4D, Redshift, Photoshop, Red Giant-Tools und After Effects erstellte, charmante Film begleitet die Protagonistin Mini auf einer alles andere als einfachen Fahrt mit öffentlichen Verkehrsmitteln.
Die Studienfreunde und Mitarbeiter Alexander Dietrich und Johannes Flick haben den Film in Zusammenarbeit mit der Produzentin Mareike Keller umgesetzt. Wir sprachen mit Dietrich und Flick über das Projekt, das sie als Gelegenheit sahen, auf dem Erfolg ihres Diplomprojekts „Shine“ aufzubauen.
Wie kam es zu eurer Zusammenarbeit und wie habt ihr euch kennengelernt?
Keller: Wir haben uns am Animationsinstitut kennengelernt, das zur Filmakademie Baden-Württemberg gehört. Alex und Johannes haben dort Animation studiert, ich sowohl Animation als auch VFX-Produktion.
Während des Studiums hatten Alex und Johannes bereits als Team aus Regisseur und Artist zusammengearbeitet und mehrere Projekte abgeschlossen, bevor ich sie kennenlernte. 2014 schlossen wir uns zu dritt für unseren Diplomfilm „Shine“ zusammen, der auf Festivals sehr gut ankam und uns Fördermittel einbrachte, die dieses Projekt ermöglichten.
Ich bin jetzt freiberufliche Produzentin und arbeite an Werbespots, VFX, Animationen und unabhängigen Kurzfilmen für zahlreiche Unternehmen und Projekte. Alex ist Art Director und Animator bei Woodblock Animation Studio und Johannes ist Designer und Animator bei Bär Tiger Wolf.
Was hat euch zu „Daily Tales“ inspiriert und wie habt ihr das Projekt neben eurer Arbeit gestemmt?
Keller: Nach unserem Abschluss haben wir für verschiedene Unternehmen gearbeitet, wollten aber mit einer neuen Zusammenarbeit auf dem Erfolg von Shine aufbauen. Wir alle wohnten in der Nähe von Stuttgart und verbrachten viel Zeit in Zügen. Wir dachten, es sollte einen Film über die kleinen täglichen Strapazen von Zugfahrten geben, die jeder kennt. Mit einem kleinen Budget aus unseren Fördergeldern und einer großartigen Geschichte von Alex trafen wir uns regelmäßig an Wochenenden, um den Film zu realisieren.
Das war Ende 2019 und als die Pandemie ausbrach, mussten wir aufgrund der geltenden Einschränkungen auf Online-Zusammenarbeit umsteigen. Glücklicherweise konnten wir von zu Hause aus arbeiten, aber da wir Arbeit und Familie unter einen Hut bekommen mussten, verlängerte sich unser ursprünglicher Produktionszeitraum von einem Jahr auf drei Jahre. Unsere enge Zusammenarbeit und gute Freundschaft haben uns geholfen, das Projekt abzuschließen, und wir freuen uns, den Film endlich mit der Welt zu teilen.
Dietrich: Einen Film zu drehen ist eine großartige Möglichkeit, mit Software zu experimentieren. Cinema 4D ist immer noch die Software, in der ich mich am wohlsten fühle, daher war dies eine Gelegenheit, mich mit neuen Funktionen vertraut zu machen. Für Johannes war es die perfekte Gelegenheit, endlich Redshift zu lernen, ohne den Druck von Abgabeterminen für Kunden.
Ursprünglich hatten wir geplant, bei diesem Projekt wieder zusammenzuarbeiten und ein reales Set mit 3D-Figuren im Stop-Motion-Stil zu kombinieren – ein Prozess, der uns allen Spaß macht. Aufgrund von Corona konnten wir jedoch nicht mit einem realen Set arbeiten. Die kindliche Optik war ein schönes Gegengewicht zu den übertriebenen und lauten Aktionen im Film.
Erzählt uns von eurem Workflow. Gab es irgendwelche Überraschungen bei diesem Projekt?
Dietrich: Während Mareike für die Produktion zuständig war, war ich für das Design, die Charakterentwicklung, das Modeling, das Rigging und die Animation verantwortlich. Johannes kümmerte sich um die 3D-Modellierung der Umgebung, das Rendering mit Redshift, das Compositing und das Grading.
Den Großteil der Designarbeit haben wir in Photoshop erledigt, aber einige Elemente vollständig in Cinema 4D entworfen und modelliert. Tatsächlich war Cinema 4D das Rückgrat all unserer Arbeiten, bis wir die Redshift-Renderings für das Compositing nach After Effects überführten.
Ursprünglich hatten wir geplant, physische Sets und Requisiten zu bauen, und begannen, Ideen zu sammeln, wie wir unsere Geschichte mit alltäglichen Materialien aus dem Haushalt erzählen könnten. Aufgrund der Einschränkungen durch Covid beschlossen wir, komplett auf Computeranimation zu setzen, sodass der Stil, den wir erreichen wollten, gleich blieb, aber die Umsetzung sich änderte.
Ein unerwarteter Bonus war, wie sehr uns die Ausdrücke der Charaktere in unserem Animatic gefielen. Wir haben sie übertrieben, um die Emotionen so klar wie möglich zu vermitteln, sodass unsere unordentlichen Zeichnungen tatsächlich einen großen Einfluss auf die Auswahl der Charaktere für Modellierung, Rigging und Animation hatten.
Wie habt ihr die Materialien für die Hauptfigur erstellt?
Flick: Als wir Mini entworfen haben, trafen wir unsere Materialauswahl basierend darauf, wie wir sie in der realen Welt bauen würden. Wir verwendeten Drähte für die Haare und Stoff für alles, was sich viel bewegen sollte. Wir verwendeten Ton für ihren Kopf, der sich ein wenig verformen sollte, und Holz für ihre Füße, die starr waren.
Am auffälligsten sind wahrscheinlich die Haare, und das Haarsystem von Cinema 4D machte es zum absoluten Vergnügen, sie mit herkömmlichen Styling-Werkzeugen zu erstellen, sodass wir die Haare in Form bürsten konnten. Die rosa Fäden, aus denen ihr Körper und ihre Augenbrauen bestehen, waren Splines, die mit einem Haarmaterial gerendert wurden. Auf diese Weise konnten wir sie mit den Rigging- und Deformationswerkzeugen von C4D leicht manipulieren.
Kleine Details wie die Wackelaugen und verschiedene aufklebbare Papiermünder wurden später hinzugefügt. Das Schöne an unseren Papiermündern war, dass wir neue erstellen und bestimmte Aufnahmen animieren konnten, wann immer wir einen extremeren Ausdruck benötigten.
Da nur Alexander und ich an der Entwicklung beteiligt waren, war es einfach, viele einmalige Lösungen zu finden, wenn das Standard-Rig für bestimmte Aufnahmen nicht extrem genug war. Wir verwendeten FFD- oder Kamera-Deformer, die in einem Nullobjekt platziert wurden, das unseren Charakter enthielt, um alles auf einmal zu verformen.
Für alles, was mit Papier, Pappe oder Holz zu tun hatte, machten wir Fotos von dem, was wir herumliegen sahen, bereinigten sie, machten sie in Photoshop kachelbar und verwendeten sie während des gesamten Projekts als Texturen in unseren Materialien.
Welche neuen Features fandet ihr beim Modellieren und Riggen hilfreich?
Dietrich: Ich habe tolle Abkürzungen gefunden, die den Workflow beschleunigt haben. Fast alles, was aus Ton gefertigt wurde, wurde mit dem Volumensystem von C4D erstellt, wobei nur Splines und einfache Geometrie als Volumenquellenobjekte verwendet wurden.
Für alles, was aus Papier oder Pappe bestand, haben wir den neuen Wandstärke-Generator verwendet, um den Objekten eine gewisse Dimension zu verleihen. Und der insgesamt verrückte Zeichenstil hat beim Rigging sehr geholfen. Nichts musste superpräzise sein, und viele Lösungen konnten schnell und einfach sein.
Was war das Besondere an der ersten Arbeit mit Redshift?
Flick: Mit Redshift war es einfach, jeden einzelnen Aspekt des Renderings zu optimieren. Für mich war die Erkenntnis, dass man anstelle eines klassischen Playblast, den man während der Animation im Viewport sieht, auch eine schnell gerenderte Version haben konnte, in der man Schatten und Reflexionen sieht – perfekt, um Geometrieüberschneidungen oder andere Animationsprobleme zu erkennen.
Welche neuen Erkenntnisse hast du von diesem Projekt mitgenommen?
Dietrich: Ich denke, dass Projekte wie dieses aufgrund der technischen Einschränkungen von 3D tendenziell etwas braver und weniger lebendig werden, um diese Einschränkungen nicht zu überschreiten. Ich war wirklich zufrieden damit, wie gut die extremen Ausdrucksformen vom Animatic bis zum fertigen Film funktionierten und wie einige Abkürzungen uns wirklich geholfen haben.
Ich ermutige jeden, am Anfang extremer zu sein und sich weniger um Präzision zu kümmern. Habt also keine Angst, Dinge auszuprobieren, und vertraut auf eure Entscheidungen: Wenn es gut aussieht und funktioniert, ist es großartig.
Wie kommt der Film bei Festivals an?
Flick: Bisher war die Resonanz großartig und es ist wunderbar, endlich die Reaktionen der Menschen in der realen Welt zu sehen. Festivals sind einer der besten Orte, um sich inspirieren zu lassen, weil man so viele Menschen trifft, die von den gleichen Dingen begeistert sind, aber unterschiedliche Herangehensweisen haben. Es ist eine wunderbare Gelegenheit, zu teilen, was wir tun, zu sehen, was andere tun, und über alles zu sprechen, was uns in unserem persönlichen und beruflichen Leben bewegt.
Helena Swahn ist Autorin in London, UK.